16 марта 2015 года в отделе «Искусство» начала свою работу книжно-иллюстративная выставка «Где прячется сказка?»: сказочные сюжеты в живописи. Мы все с самого раннего детства любим сказки. Сказки тесно связаны с национальными преданиями, поэтому зачастую творческие люди заимствуют сказочные сюжеты при создании своих произведений. Образы, рожденные поэтическим творчеством народа, заняли большое место в произведениях многих выдающихся представителей русской литературы и искусства.

Чрезвычайно велик был интерес к народному искусству крупнейших художников прошлого столетия. Результаты их творческих усилий оказались столь значительны, что и по сей день в нашем сознании фольклорная тема связывается с творчеством целого ряда художников того времени: Виктора Михайловича Васнецова, Ивана Яковлевича Билибина и многих других. Познакомившись с материалами, представленными на выставке, вы увидите сказки глазами разных художников.

Одним из первых русских художников, обратившихся к воссозданию образов народных сказок и былин в живописи, был Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926) – художник, театральный декоратор, мастер исторического и мифологического жанров. Его называли «истинным богатырем русской живописи». Он первым среди живописцев обратился к былинно-сказочным сюжетам. В истории русского искусства Виктор Михайлович Васнецов занимает такое же место, какое в истории науки занимают знаменитые первооткрыватели. В. Васнецов первым открыл путь в богатый и прекрасный, ранее совсем не известный мир народной поэзии, царство русских сказок и былин; он был первым, кто сумел оживить «дела давно минувших дней, преданья старины глубокой».

Виктор Михайлович Васнецов родился в семье священника, страстного любителя природы. Отец с детства привил своим сыновьям, будущим художникам Виктору и Аполлинарию, чувство восхищения красотой родной природы. Васнецов учился в Петербурге, а потом переехал в Москву. Сама Москва, с ее Кремлем, старинными храмами и монастырями – «живая история» России, она служила ему неиссякаемым источником вдохновения. Именно в Москве работал художник над своими широко известными картинами «Три царевны подземного царства», «Ковер-самолет», «Аленушка», «Иван-царевич на Сером Волке».

Творчество В. Васнецова очень разнообразно: он работал не только в живописи, но и в графике (иллюстрации к пушкинской «Песне о вещем Олеге»), в театре он создал замечательные декорации к весенней сказке Островского «Снегурочка». Васнецов работал и как художник монументалист: он расписал круглый зал Исторического музея в Москве (фриз «Каменный век»), по его проекту был оформлен фасад Третьяковской галереи. По его рисункам и проектам в художественных мастерских в Абрамцеве искусные мастера украшали народными орнаментами мебель, посуду и т.п.

Значительным историческим произведением В.М. Васнецова явилось полотно «Богатыри» (1898). Над ним художник работал с перерывами около двадцати лет. Создавая эту, ныне широко известную, картину, Васнецов, как и в «Аленушке», шел от реальных образов крестьян и русской природы. Прообразом Ильи Муромца был, например, крестьянин Иван Петров, уроженец села Карачарово, по былинным преданиям считающеюся родиной богатыря. Жизненности картины способствовали продуманность композиции, удачно связанный с могучими фигурами трех всадников пустынный стенной пейзаж.

В 1889 году Васнецов написал картину «Иван-царевич на Сером Волке». В ней художник обратился к сюжету известной сказки: Серый Волк помогает Ивану-царевичу совершить множество трудных дел, выпавших на его долю. В картине Васнецова царевич, бережно обняв Елену Прекрасную, скачет на Сером Волке сквозь дремучую чащу расступающегося перед ним сказочного леса.

Самой большой удачей художника в его работе над сказочными сюжетами, безусловно, стала знаменитая «Аленушка». Работая над ней, Васнецов не ставил цели создать произведение, иллюстрирующее какую-нибудь определенную сказку, например, широко известную сказку «Сестрица Аленушка и братец Иванушка». Крестьянская девочка сидит, пригорюнившись, на белом камне, над темным лесным омутом. Она захвачена таинственным очарованием лесной чащи с ее сумраком, тишиной, темной гладью поверхности омута, с неподвижно лежащими на ней осенними листьями. Под воздействием этого очарования и сама Аленушка как бы преображается, превращаясь из простой деревенской сироты в поэтическое существо, отражающее в своем внутреннем мире таинственную жизнь леса, сливающееся с этой жизнью в своих мыслях и чувствах.

Васнецову необыкновенно удались этюды к «Аленушке» – пейзажные, в их числе «Затишье». В этом этюде изображена сокровенная глубина елового леса. А также удались этюды для образа самой Аленушки. На одном из них изображена светловолосая крестьянская девочка, сидящая на траве, в той же позе, что и героиня картины. Только в картине она старше, ее печаль глубже, она нераздельно связана с окружающей природой.

В 1899 году В. М. Васнецов написал картину «Снегурочка», в которой изобразил сказочную героиню в парчовой, отороченной мехом шубке на фоне таинственного заснеженного ночного пейзажа. Тема Снегурочки прошла через многие годы творчества Васнецова. Еще в 1881-1882 годах он исполнил декорации и костюмы для любительского спектакля по пьесе-сказке А. Н. Островского «Снегурочка», поставленной С.И. Мамонтовым на домашней сцене. В 1885-1886 годах выполнил декорации для одноименной оперы Н.А. Римского-Корсакова, показанной на сцене Московской частной оперы.

Обращаясь к темам фольклорной мифологии, Васнецов радикально изменил русский исторический жанр, сочетая исторические реалии, воспроизведенные с археологической достоверностью, с волнующей атмосферой легенды. Содержание своих картин он черпал из прекрасного, романтического мира народной фантазии. После 1917 художник ушел целиком в сказочную тему, о чем красноречиво свидетельствуют заглавия последних крупных полотен: «Спящая Царевна», «Царевна-Лягушка», «Кащей Бессмертный», «Царевна Несмеяна», «Сивка-Бурка», «Баба-Яга», «Три царевны подземного царства», «Сирин и Алконост»...

Михаил Александрович Врубель

Для живописи Врубеля характерна напряженность цвета, не столько передающего реальные свойства предметов, сколько воплощающего чувства самого художника.

Его искусство не повествовательно по своему характеру. М.А. Врубель, подобно В. М. Васнецову, стремился к созданию образов эпического звучания. Этим во многом объясняется постоянный интерес художника к древнему монументальному искусству, в частности, к фрескам и мозаикам древнерусских и византийских мастеров, которые он изучал в Киеве и Венеции и которые высоко ценил.

Большинство работ этого живописца написаны на сказочные сюжеты, которые он находил в песнях, былинах и сказаниях.

В 1899 году М.А. Врубель написал картину «Пан». Пан – античный бог лесов и пастбищ, покровитель охотников и пастухов. Он бродит по лесам и горам, играя на изобретенной им свирели. Древние греки изображали Пана безобразным существом с телом, поросшим шерстью, с козлиными копытами, хвостом и рожками. Врубелевского Пана невозможно представить в окружении южной природы, среди лесов и скал Эллады. Он плоть от плоти того мира, в котором поселил его русский художник, – мира болотистых низин, лесных чащоб, тоненьких трепетных березок. Сумрачное небо, тяжелый серп восточного месяца, немая тишина ощущаются в вечерней природе, и старик Пан неотделим от нее. У него корявая фигура, шерсть на теле. Все напоминает торчащий из земли пень: сучки – пальцы, сжимающие свирель, его морщинистое стариковское лицо, голова, украшенная чуть заметными рожками, и, как завитки стружек, волосы, усы и борода. Глаза его, прозрачные, голубые, смотрят каким-то невидящим взглядом и цветом своим перекликаются с цветом воды в речке, мелькающей в кустах.

Во всех картинах Врубеля воплощалась мечта художника о красоте, которую так трудно было найти в окружающем его мире, полном безысходных противоречий, и врубелевская фантазия, переносящая нас в иные миры, где красота, однако, не освобождается от болезней века, - это воплощенные в красках и линиях чувства людей того времени, когда русское общество жаждало обновления и искало путей к нему.

«Царевна-Лебедь» – это картина, написанная на основе сценического образа героини оперы Н.А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноимённой сказки А.С. Пушкина. Врубель создал эскизы для декораций и костюмов оперы, а партию Царевны-Лебеди пела его жена Н.И. Забела-Врубель. Сохранились её фотографии в роли царевны, по которым видно, что художник достаточно далеко ушёл от натуры при создании своего произведения. Царевна с полотна Врубеля таинственна и загадочна, лицо её печально.

Сказочный образ Царевны-Лебеди запечатлели великие поэты, знаменитые художники и талантливые композиторы. Торжественно и величественно предстает этот образ перед нами в «Сказке о царе Салтане…», написанной А.С. Пушкиным. Его сказочная героиня это девушка-невеста, волшебница, помощница, обладающая удивительной, затмевающей красотой. К сюжету сказки А. С. Пушкина обратился русский композитор Н. А. Римский-Корсаков, написавший оперу «Сказка о царе Салтане…». В этом произведении используются только звуки радости, света и волшебства, что делает красавицу-царевну прелестным чудом.

Почти все свои работы Врубель создавал по мотивам какого-либо музыкального или литературного произведения. Таково и панно «Фауст. Триптих», которое было заказано для украшения московского дома А.В. Морозова. Это таинственное произведение с колючими угловатыми формами изображает задумавшегося посреди библиотеки Фауста, Маргариту с белыми лилиями у ног и листающего книгу Мефистофеля. Герои выглядят словно призраки европейского средневекового замка. В отличие от них, «Богатырь» будто только что вырос из русской земли вместе с молодыми елками. Илья Муромец Врубеля не похож на богатыря В.М. Васнецова. Этот кряжистый, приземистый воин, восседающий на мощном коне-битюге, близок к фольклорному образу «мужичища-деревенщины», любящего «одежду и доспехи узорчаты». Декоративное оформление всего его снаряжения по своей форме и расцветке кажется продолжением витиеватого пейзажа с его переплетающимися еловыми ветками и изогнутыми деревьями на фоне красного заката. Даже шерсть гиперболично прописанного коня похожа на иголки хвойных деревьев. Животное и былинный богатырь будто слиты воедино друг с другом и с окружающей природой. Внизу, на еловых ветках, сидят ястребы, причем одна из птиц показана с распростертым крылом и хищно изогнутой шеей, олицетворяя, таким образом, скрытые темные силы этого мистического леса.

Однако образы, созданные Врубелем в живописи и скульптуре, не были иллюстрациями ни к народным сказкам, ни к произведениям А. С. Пушкина или А. Н. Островского. Вместе с тем это и не портреты Н.И. Забелы, хотя она в течение многих лет была подлинной музой художника. Конкретная натура и поэтический вымысел присутствуют, слившись и переплавившись в живописно-пластические образы сказок, созданных самим Врубелем.

Кажущаяся необычность художественного языка Врубеля, а также то, что многие знают о тяжелой психической болезни художника, нередко наводит зрителя на мысль о том, что его искусство «больное», что его фантастика беспочвенна и полностью оторвана от реальной жизни. Однако все то, что мы знаем о Врубеле, в частности с его же собственных слов, позволяет видеть в его искусстве прочную связь с реальным миром, позволяет говорить о подлинной любви художника к нему.

Он выполнил иллюстрации к русским народным сказкам «Царевна-лягушка», «Перышко Финиста – Ясна Сокола», «Василиса Прекрасная», «Марья Моревна», «Сестрица Аленушка и братец Иванушка», «Белая уточка», к сказкам А.С. Пушкина («Сказка о царе Салтане», «Сказка о золотом петушке», «Сказка о рыбаке и рыбке» и многим другим).

Сын военно-морского врача, потомок древнего рода, И.Я. Билибин предполагал стать юристом и закончил полный курс юридического факультета Петербургского университета. Но одновременно самозабвенно изучал рисунок, графику, живопись, будучи вольнослушателем в мастерской И.Е. Репина в Академии Художеств. И вскоре стал известен широкой общественности как прекрасный иллюстратор русских народных сказок, былин, произведений А.С. Пушкина. За Иваном Билибиным утвердилась слава первого на Руси художника книги.

И.Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира, сочетание яркой сказочности с чувством народного юмора и др.

Сам Билибин говорил о своих рисунках, что они – «облагороженный лубок». Однако он выработал свой собственный стиль, от которого приходили в восторг современники художника. И совершенно заслуженно объединение «Мир искусства» приняло его в свои ряды. Художник широко использовал орнамент. А о его графике писали, что это «тщательно проработанный узорчатый контурный рисунок, расцвеченный акварелью».

Увлечение Билибина старинным русским искусством получило отражение в иллюстрациях к пушкинским сказкам, которые он создал после поездки по Северу в 1905–1908 гг. Работе над сказками предшествовало создание декораций и костюмов к операм Римского-Корсакова «Сказка о золотом петушке» и «Сказка о царе Салтане» А.С.Пушкина. «Сказку о царе Салтане» И.Билибин иллюстрировал первой. «Сказка о золотом петушке» наиболее удалась художнику. Билибин объединил сатирическое содержание сказки с русским лубком в единое целое.

Уже в начале художественного пути Билибин стремился понять родную землю, ее жизнь в старину. Тонко и образно она показана в «Белой уточке», которую можно отнести к лучшим акварелям мастера. Образы Билибина происходят из народного искусства, столь же светлого, яркого, из понимания сути Севера, изучения художественного языка его мастеров. В иллюстрации к «Белой уточке» о созданиях северян напоминают и характер рисунка, в котором сказалось влияние орнаментов и росписей, и локальные, четко разграниченные цвета, напоминающие сияющий колорит народных росписей и эмалей, и изображение бревенчатого терема.

Эта иллюстрация характерна для творчества мастера. Билибин достиг вершин в иллюстрации того времени, став вдохновенным певцом стародавней Руси, овеянной красотой былин и сказаний. Северный край нередко учил художников видеть и писать. Мастера национальных тем обретали здесь новый язык, ярче раскрывающий особенности их творчества и русского искусства в целом. И подтверждением тому служит скромная, на первый взгляд, иллюстрация «Белая уточка», в которой, как в сказке, таятся красота и мудрость национального искусства, оживает старина Руси.