Изобразительное искусство рождено любовью к вещи.
Беспредметное искусство рождено любовью к цвету.
Мы предлагаем освободить живопись от рабства
перед готовыми формами действительности
и сделать ее прежде всего искусством творческим,
а не репродуктивным.
Ольга Розанова.
"Кубизм. Футуризм. Супрематизм". 1917 г.

Выставка "Амазонки авангарда" продолжает открывает на сайте наш новый проект "Эта непонятная живопись". Она посвящена искусству авангарда, а точнее самым известным художницам этого направления в живописи: Гончаровой Н.С., Поповой Л.С., Розановой О.В., Удальцовой Н.А., Экстер А.А.Термин "Амазонки авангарда", который как нельзя лучше раскрывает  тему нашей выставки, принадлежит поэту-футуристу Бенедикту Лифшицу.

"Амазонки" восприняли художественную практику Кандинского и Малевича как основу для собственных поисков. Их творчество образует следующий этап развития беспредметного искусства. В чем своеобразие этого этапа? Каждая из художниц представила свой путь движения к беспредметному искусству, за счет чего выявилось все его многообразие в целом. При всей индивидуальности таланта каждой из художниц они шли от зафиксированных форм авангардистского художественного мышления - фовизма, кубизма к своим вариантам этих направлений. Далее после появления беспредметного искусства Кандинского и Малевича они создали свои варианты и в этом направлении искусства. Потом, и это особенно важно, они подвели базу к выходу из беспредметного искусства, показав его огромные возможности и почувствовав его границы в конкретный исторический отрезок времени. 

Гончарова Наталья Сергеевна

родилась в д. Ладыжино Тульской губ. 21 июня 1881 г.,
умерла в Париже 17 октября 1962 г.

Училась на скульптурном отделении Московского Училища живописи, ваяния и зодчества, посещала класс живописи Константина Коровина. Начав с пейзажных работ  в духе импрессионизма, Гончарова разработала свой стиль - своеобразный синтез кубофутуризма с использованием элементов народного лубочного творчества и традиций русской средневековой иконописи. Примитивизмом Гончарова увлеклась в 1906 году. Неопримитивизм Гончаровой - ее огромный вклад в искусство начала XX века. Вдохновение художница черпала в русской иконе, народных лубочных картинках, в языческих идолах, каменных "бабах". Народным искусством и религиозной живописью навеяны ее картины "Уборка хлеба" (1908), "Рыбная ловля" (1909), первобытной мощью веет от "Идолов" (1908-1909).

У Гончаровой совершенно особое отношение к художественному стилю примитива, увлечение которым началось в 1906 году. В одной из статей она утверждала, что "чужое искусство надо сливать со своим". В произведениях примитивистов из народных мастеров всегда осуществлялось своего рода "преобразование чужого в свое", хотя и существовала неоспоримая дистанция между примитивом и "учеными искусством". Особенностью ее живописи было использование плоских цветовых пятен, очерченных четким контуром, напоминавшее приемы Гогена, влияние которого испытали многие русские художники.

Решающим событием в ее жизни стала встреча с Михаилом Ларионовым, будущим мужем и одним из основоположников русского авангарда. Совместно с Ларионовым она организовывала и принимала участие в первых авангардистских выставках ("Бубновый валет", "Ослиный хвост"), была одним из создателей нового абстрактного течения в живописи - лучизма ("Кошки", "Желто-зеленый лес", обе 1913). В 1914 году в Париже состоялась их совместная выставка, имевшая ошеломительный успех. С 1918 года супруги постоянно проживали в Париже, сотрудничая с Сергеем Дягилевым и его "Русскими балетами". Гончарова создала огромное количество театральных костюмов и декораций почти ко всему репертуару труппы. Художница не бросила занятия живописью, но интерес к ее работам практически пропал и начал возрождаться только в середине 1950-х годов.

Попова Любовь Сергеевна

родилась в имении Красновидово Московской губ. 24 апреля 1889 г.,
умерла в Москве 25 мая 1922 г.

Училась в Москве в студиях С.Ю. Жуковского и К. Ф. Юона, в "Башне" одновременно с В. Е. Татлиным, в 1913 году в Париже посещала академию "Ла Палетт", возглавляемую видными теоретиками кубизма А. Глезом и Ж. Метценже. Дитя своего времени, она прошла весь путь русского авангарда, последовательно пробуя силы в кубизме, футуризме, супрематизме и конструктивизме.

Любовь Попова по-своему понимала кубизм. Ее привлекал мир вещей, выявление возможностей, заключенных в самом материале, имеющих точный адрес: если она пишет натюрморт с посудой, то это "Жестяная посуда" (1913); если предметы - то "Предметы из красильни" (1914). Ее интересовал механизм, скрытый за внешней оболочкой формы. В 1915 году она создала несколько работ: "Часы" - довольно распространенный сюжет в кубистической и футуристической живописи, как символ времени - четвертого измерения, вводимого в пространственное искусство. Попова же не довольствуется знаковым обозначением циферблата, она показывает "внутренности", сцепления винтиков и колес, ее завораживает произведение человеческих рук - чудесная машина. Эта, может быть, немного наивная, но искренняя вера в технический прогресс не может не подкупать в картинах Поповой. Подобен "Часам" и "Город" художницы, который она внимательно рассматривает, раскладывая его на составные части.

Увлеченная личность и одаренная художница, Попова работала в станковой живописи, книжной графике, в послереволюционные годы занялась промышленным искусством - плакатом и в последние годы текстильным дизайном. Она участвовала в многочисленных авангардистских выставках "Трамвай", "0,10", "Магазин", оформляла спектакли в театре В. Э. Мейерхольда и преподавала в ВХУТЕМАСе.

Стиль художницы представлял собой своеобразный синтез кубизма с традициями русской иконописи и искусства итальянского Возрождения. Какие бы направления или течения не увлекали ее, стремление к классическим канонам и мерам оставалось незыблемым. Созданная под влиянием искусства К.С. Малевича знаменитая серия "Живописные архитектоники" (1916-1918), трансформировавшаяся в 1920-е годы в "живописные конструкции" и "пространственно-силовые построения", определялась поиском художницей вселенских законов бытия и гармонии и распространением их на все области искусства. Она умерла неожиданно, заболев скарлатиной, от которой погибли ее муж и сын.

Розанова Ольга Владимировна

родилась в г. Меленки Владимирской губ. 21 июня 1886 г.,
умерла в Москве 8 ноября 1918 г.

Слишком  короткий  жизненный  срок был отмерен Ольге Розановой.  Ее творческая судьба заключена между двумя датами: 1911 - год ее первой  выставки  и  1918 - год смерти. 

Она училась в Москве в студии К.Ф. Юона, где одновременно с ней занимались Л. Попова и Н. Удальцова. Здесь же произошло   одно    из    важнейших  событий    в  жизни   Розановой:    встреча с   поэтом-футуристом В. Крученых, которая выросла в долгий и плодотворный творческий союз. По просьбе Крученых она оформила два его первых стихотворных сборника "Взорваль" и "Возропщем" (1913), ставшие началом такого необычного и уникального в своем роде явления как футуристическая книга.

В творчестве Розановой четко прослеживается два периода: первый связан с "Союзом молодежи", в который она вступила в 1911 году. В это время художнице близок футуризм, ее творческое самовыражение находит выход в книжной графике, новом синтетическом образе книги, где все элементы находятся в живом движении. Второй период начинается с 1915 года: Розанову увлекает супрематизм Малевича, его поиски объективных законов планетарного искусства, единых правил и формул построения мира. В ее живописи главным становится открытие цвета и света, "преображенный колорит", как она сама называла, лежащий в основе гармонии ее мира.

Первые свои живописные работы Розанова выставила на суд публики в 1915 году на выставке "0,10". На пути к беспредметности художница прошла все этапы авангардного искусства и в каждом направлении оставила ощутимый след. Она неизменно находилась в эпицентре обновления искусства.

В своей статье "Основы Нового Творчества и причины его непонимания" (1913) Розанова предвосхитила многое из того, о чём позднее писал Малевич в брошюре "От кубизма к футуризму и супрематизму" (1915). "Творит только тот, кто предчувствует себя новым...". Так сформулировала Розанова свое кредо в 1913 году и осталась верна ему до конца.

Степанова Варвара Федоровна

родилась в Ковно (Литва) 23 октября 1894 г.,
умерла в Москве 20 мая 1958 г.

Родилась в семье чиновника. С 1910 года училась в Казанской художественной школе, где в 1914 г. познакомилась с А.М. Родченко, своим будущим мужем и соратником.

Не окончив школу, В.Ф. Степанова уехала в Москву. С 1915 по 1917 годы работала бухгалтером и машинисткой на фабрике, попутно занимаясь живописью в студии К. Ф. Юона. Начало ее самостоятельного пути в искусстве совпало с революцией. Степанова была самой молодой среди представителей русского авангарда, тем не менее она была очень заметна в этом сложном сообществе. Она уделяла много внимания дизайну одежды - известна ее серия костюмов "Спортодежда". С особым вниманием занималась иллюстрациями к поэзии Алексея Крученых, в которых она пыталась найти новый графический язык, объединяющий слово и изображение. В 1921 году Степанова участвует в конструктивистской выставке "5x5=25". Наиболее известна ее театральная работа - оформление спектакля В. Мейерхольда "Смерть Тарелкина" (1922). В своем поразительном автопортрете она совершенно к себе беспощадна: гримасничает, вместо глаз и бровей доски с черными точками. В дальнейшем Степанова занималась прикладной, дизайнерской деятельностью в области книжного оформления, занималась полиграфией и оформлением фотоальбомов.

"Следующий этап после кубофутуризма в мировом движении открыло беспредметное творчество, которое нужно рассматривать как новое миросозерцание... Это движение есть протест против материализма современности". Так было написано в одном из каталогов выставки, посвященной беспредметному искусству. Далее там говорилось, что "зритель...должен понять это творчество своим чувством, своей неиспорченной интуицией, как новую красоту, красоту освобождения живописи от векового заклятия - темы и изображения видимого".

Прочитав эти строки, давайте попробуем по-иному взглянуть на произведения художников-авангардистов, к числу которых относится и Варвара Федоровна Степанова.

Удальцова Надежда Андреевна

родилась в Орле в 1886 г.,
умерла в Москве в 1961 г.  

Училась в Москве в студиях К. Ф. Юона и К. Э. Киша. В 1905-1909 годах обучалась в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества. В 1911-1912 годах работала в Париже в студии "La Palette" под руководством Ж. Метценже и А. Лефоконье.

Творчество Удальцовой, представлявшее радикальное крыло русского авангарда, формировалось под влиянием художественных идей В. Татлина, К. Малевича и кубизма.

Однако при всей ярко выраженной приверженности к абстрактности, художницу увлекала живописная сторона искусства. Уже в первых работах виден ее интерес к интенсивной цветовой гамме, которая займет главенствующее положение в позднейших работах Удальцовой ("Скрипка", 1915).

В 1915 году она вступает в организованную Малевичем группу "Супремус", принимает участие в авангардистских выставках "Бубновый валет", "Трамвай В", "0,10", пишет кубистские композиции, где ярко проявляется картинное начало и ощущение живого красочного материала ("Живописное построение", 1916). После революции Удальцова работает в Инхуке и ВХУТЕМАСе ассистентом Малевича. Неприятие художницей поворота современного искусства в сторону конструктивизма и промышленного дизайна обуславливает ее уход из Инхука в 1921 году и все дальнейшее творчество: в последующие годы она пишет в основном натюрморты и пейзажи, отличающиеся поразительным цветовидением.

Кубистский период занимает определенное место в творчестве большинства русских художников начала 1910-х годов. После недолгого пребывания во Франции и Удальцова увлеклась кубизмом: вариации хрестоматийных кубистических мотивов ("Скрипка", "Музыкальные инструменты", "Кухня", "Бутыль и стакан", все 1910-1915) обнаруживают абсолютное владение методом, конструктивный напор и напряженность цвета. Даже увлекшись супрематизмом (а Удальцова была членом общества "Супремус" и ассистентом Малевича во Вхутемасе), она продолжает параллельно создавать кубистические композиции, дорожа скрытым в них началом картинности и живого ощущения красочного материала ("Живописное построение", 1916).

Картина "Красная фигура" относится к этому разряду. Кубистический метод - метод аналитического, а не синтетического восприятия вещей. В живописи кубизм ищет геометрического скелета вещей, он срывает обманные покровы плоти и стремится проникнуть во внутреннее строение космоса. В кубистической живописи Удальцовой гибнет красота воплощенного мира, все разлагается и расслояется, выявляя на поверку технократическое начало в вещах.

Экстер Александра Александровна

родилась в г. Белостоке Гродненской губ. 6 января 1882 г.,
умерла в Фонтене-о-Роз (Франция) 17 марта 1949 г.

Родилась в семье   коллежского   асессора. С 1901 по 1903 и в 1906 годах училась в Киевском художественном училище.

В 1907 году уехала в Париж, где брала уроки живописи в студии "Ла Гранд Шомьер". Знакомство с П. Пикассо, Ж. Браком, итальянскими футуристами определило творческие поиски Экстер в искусстве. Вернувшись в Россию, она стала активной пропагандисткой новых европейских идей, участницей почти всех авангардистских выставок Москвы, Петербурга и Одессы.

В начале 1910-х годов А. Экстер работала в манере, соединяющей принципы кубизма и футуризма. Любимым жанром художницы в этот период стал натюрморт, в котором она временами достигала крайних пределов экспериментаторства, применяя, например, метод коллажа.

Одна из наиболее известных работ этого периода - "Натюрморт. Ваза и бутылки". Используя приемы кубизма, художница дробит цельную форму на грани, стремясь проникнуть в структуру вещей, произвести их анализ, пытается " отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы". Предметные формы на картине образуются с помощью пересечения прямых и изломанных линий (хрустальная ваза, бокалы), однако от этого не создается ощущение их массивности и грубоватости. Вероятно, некоторая их "смягченность" достигается благодаря закругленным силуэтам пузатых бутылок и куска арбуза, лежащего на круглой тарелке. Предметы на картине необычайно живописны, подчеркнуто декоративны, что является характерной чертой художественного стиля А. Экстер.

В 1910 году Экстер вступила в объединение "Бубновый валет", с 1913 года - она член "Союза молодежи". В эти годы формируется ее стиль, отмеченный влиянием кубизма и футуризма, увлечением коллажем и беспредметной живописью: в 1915 году Экстер примкнула к группе К. Малевича "Супремус". В духе времени у нее пробудился интерес к прикладным искусствам, где художница шла по пути создания бытовых вещей в пластике кубизма, тем самым закладывая основы "ар деко".

Одна из ярких страниц в творчестве Экстер - ее театральные работы для Московского Камерного театра, для которого она исполнила росписи театрального фойе и занавеса, создала костюмы и декорации к пьесам У. Шекспира и О. Уайльда. В 1924 году художница приняла участие в оформлении советского павильона на XIV Международной выставке в Венеции. После этого уехала в Париж для работы над экспозицией советского отдела Всемирной выставки декоративного искусства, за которую получила золотую медаль. По окончании работы Экстер осталась во Франции. Поздний период ее творчества был связан в основном с преподавательской и театральной деятельностью.